पेंटिंग की मौत की भविष्यवाणी पहली बार 19 वीं शताब्दी के मध्य में की गई थी, जब फोटोग्राफी के आगमन ने चित्रकार के हाथ से वास्तविकता को छीन लिया था। 1859 में फ्रांसीसी कवि और कला समीक्षक चार्ल्स बौडेलेर ने लिखा, "अगर फोटोग्राफी को अपने कुछ कार्यों में कला के लिए खड़ा होने की अनुमति है, तो यह जल्द ही इसे पूरी तरह से भ्रष्ट या भ्रष्ट कर देगा।" कलाकार तब से फोटोग्राफी के निहितार्थों के साथ आने की कोशिश कर रहे हैं।
मोनेट और रेनॉयर जैसे प्रभाववादी, तस्वीरों की स्थिर, यांत्रिक कल्पना के साथ-साथ अपने समय की बासी अकादमिक पेंटिंग को खारिज करते हुए, अपने स्वयं के छापों को चित्रित करने के लिए सेट करते हैं कि आंख प्रकृति में प्रकाश और वातावरण को कैसे मानती है। उनके कुछ समकालीनों, जिनमें डेगास और टूलूज़-लुट्रेक शामिल थे, ने अलग-अलग व्यवहार किया। उन्होंने प्रेरणा के लिए तस्वीरों का उपयोग करना शुरू कर दिया- उदाहरण के लिए, कैमरे के लेंस के आधार पर उनकी छवियों को क्रॉप करना, उदाहरण के लिए, और परिप्रेक्ष्य की विकृतियों को प्रस्तुत करना।
फिर, एक सौ साल पहले, मैटिस और पिकासो ने कट्टरपंथी पेंटिंग बनाई जो आधुनिक कला के एक नए युग को परिभाषित करेगी। मैटिस ने 1907 में अपनी उभरी ब्लू न्यूड के साथ तस्वीर को चित्रित किया, अपनी कल्पना को मुक्त करने और जीवन से ड्राइंग द्वारा बनाई गई आदतों को तोड़ने के लिए एक चित्र से पेंटिंग की। पिकासो ने अपने 1907 के लेस डेमोसिलेस डी'विग्नन को चित्रित करने के लिए तस्वीरों का भी उपयोग किया, प्रत्येक आकृति एक ही समय में अलग-अलग कोणों से देखे जाने वाले एक से अधिक एक्सपोजर की तरह लगती है - क्यूबिज़्म में एक निर्णायक कदम।
20 वीं शताब्दी की प्रगति के दौरान, वासिली कैंडिंस्की और जैक्सन पोलक जैसे चित्रकारों ने कला की अवधारणा को पूरी तरह से प्रतिनिधित्व के रूप में त्याग दिया, ऐसे कैनवस का उत्पादन किया जिसमें कोई पहचानने योग्य वस्तुएं नहीं थीं। उनके "अमूर्त" कार्यों में, पेंट ही विषय बन गया। 1960 के दशक तक, वैचारिक कलाकार- 1920 के मार्सेल डुचैम्प और अन्य दादावादियों से प्रेरित थे, ने इस दृष्टिकोण को अपनाया कि कला को दिमाग का लक्ष्य बनाना चाहिए, आंख का नहीं, उन चित्रों को बदलना चाहिए जिनमें काम के पीछे का विचार काम से ज्यादा महत्वपूर्ण था। । कुछ स्पष्ट अपवादों के साथ- पॉप आर्ट, फोटो रियलिज्म और डेविड हॉकनी जैसे कलाकारों-प्रतिनिधित्ववादी या आलंकारिक कला को मोटे तौर पर 20 वीं शताब्दी के अंत तक अतीत की बात माना जाता था। लेकिन हाल के वर्षों में, कई समकालीन चित्रकार अभिव्यक्ति की नई विधाओं को खोजने के लिए आधुनिक कला की जड़ों तक वापस पहुंचने लगे हैं। वे मानव आकृति और अन्य पहचानने योग्य रूपों को अमूर्त और अस्पष्ट कथा के तत्वों के साथ मिश्रित कर रहे हैं जो पहले नहीं देखे गए थे।
न्यूयॉर्क के म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट में पेंटिंग और ड्राइंग के क्यूरेटर जोकिम पिस्सारो कहते हैं, "अभी मेरे पेशे के इर्द-गिर्द का उत्साह जबरदस्त है।" "तीस साल पहले, पेंटिंग के अंत की यह सब चर्चा थी। आज किसी को भी इसकी परवाह नहीं है।" युवा पीढ़ी के लिए, वे कहते हैं, "20 वीं सदी के अंतिम भाग में मौजूद अमूर्तता और प्रतिनिधित्व के बीच का ध्रुवीकरण सिर्फ निरर्थक है। अब हम जो देख रहे हैं वह बहुत दिलचस्प है। और पूरी तरह से नया है।"
ब्रुकलिन से त्रिनिदाद, जर्मनी के लीपज़िग तक बिखरे हुए, इन पृष्ठों में दर्शाए गए कलाकार "पेंटिंग में एक विश्वास" का नवीनीकरण कर रहे हैं, न्यूयॉर्क सिटी के न्यू म्यूजियम ऑफ कंटेम्पररी आर्ट के वरिष्ठ क्यूरेटर लॉरा होपमैन कहते हैं।
पीटर डूग
"जब लोग 1980 के दशक के उत्तरार्ध में मेरे काम में दिलचस्पी लेने लगे, तो पेंटिंग पूरी तरह से एजेंडे से दूर थी, " त्रिनिदाद में रहने वाले एक 49 वर्षीय स्कॉट पीटर डिग कहते हैं। "जिस चीज को अत्याधुनिक माना जाता था, वह सभी वैचारिक थी- पेंटिंग, कला के बारे में पेंटिंग, जिस तरह से इसे बनाया जाता है, उसके बारे में कुछ कहा। मैंने जानबूझकर उस के खिलाफ काम किया। मेरे लिए, एक बार जब आप एक चित्रकार होते हैं, तो आप लगातार देखने के लिए मजबूर होते हैं। पेंटिंग के लिए एक संभावित विषय के रूप में दुनिया। और यह सड़क पर कुछ देखने से, एक फिल्म में कुछ देखने से, एक पत्रिका में, सब कुछ वास्तव में होता है। "
डोइज स्टूडियो, त्रिनिदाद की राजधानी शहर, पोर्ट ऑफ स्पेन में एक पुनर्निर्मित रम डिस्टिलरी में, जंगल के परिदृश्य, पेंट-स्मीयर नदियों और अस्पष्ट आंकड़े को दर्शाती बड़ी कैनवस से भरा है। जब वह 2003 में त्रिनिदाद में स्थानांतरित करने के लिए लंदन छोड़ गए, तो उनके कई दोस्तों ने फ्रांसीसी कलाकार पॉल गौगुइन के बाद इसे "गौगुइन कर रहे" कहा, जो प्रकृति के साथ एक होने के लिए 1891 में ताहिती में चले गए। Doig की शैली कभी-कभी Gauguin की तुलना में होती है, लेकिन पेंटिंग के लिए उनका दृष्टिकोण काफी अलग है। उनका तरीका एक तरह की सूचना प्रसंस्करण पर टिका है, जो अक्सर एक तस्वीर के साथ शुरू होता है, वे कहते हैं, क्योंकि तस्वीरों से पेंटिंग उसे दूर करती है जो वास्तविक या सच है। "एक पेंटिंग को सच्चा क्यों होना पड़ता है?" वह पूछता है।
Doig ने लंदन के एक कबाड़ की दुकान में खरीदे गए एक पुराने पोस्टकार्ड से कई पेंटिंग बनाई हैं जो भारत में एक नदी के दृश्य को दर्शाती हैं। "जब मैं प्रकृति से सीधे पेंट करता हूं, " वह कहता है, "मैं इसे सही तरीके से प्राप्त करने की कोशिश में फंस गया हूं। फोटोग्राफी, या पोस्टकार्ड का उपयोग करके मुझे बस वह लेने की अनुमति मिलती है जो मैं चाहता हूं और बाकी को छोड़ दूं। मैंने एक तस्वीर बनाई। पोस्टकार्ड में छोटे गुरु, और उस की एक और तस्वीर ली, और मैंने उसे उड़ा दिया इसलिए यह एक धुंधली बूँद बन गया, और मैं उससे रंग गया, और वह एक प्रकार का दाढ़ी वाला आदमी बन गया, कुछ रहस्यमय और काला। मैं डॉन। नहीं जानता कि क्या वह एक धार्मिक व्यक्ति है, या कट्टर है, लेकिन उसके बारे में कुछ आध्यात्मिक है। "
वह एक ताड़ के पेड़ पर चढ़ने वाले एक स्केच फिगर के 9-से-12-फुट कैनवास की ओर इशारा करता है, ट्रंक को गले लगाता है और ब्रशस्ट्रोक, ड्रिप और दरार के एक अमूर्त शून्य से बाहर निकलता है। "वे ड्रिप और दरारें पेंटिंग में सुंदर चीजों के प्रकार हैं जो अद्वितीय हैं, " वे कहते हैं। "आप चांस लेते हैं और वे आपको दे दिए जाते हैं, लेकिन मैं उनसे नफरत करूँगा कि वे एक ढंग या नौटंकी बनें।" हालाँकि, यह आंकड़ा था, कि SITE सांता फ़े निर्देशक लौरा हॉन को सबसे अधिक झटका लगा, जब पेंटिंग को संग्रहालय के 2006 वर्ष के दशक में दिखाया गया था। "एक अर्थ में, यह मानवतावाद की वापसी है, " वह कहती हैं। "इंसान की तस्वीर बनाने के बारे में बहुत उदारता है।"
फरवरी में लंदन में टेट मॉडर्न में डोइग के काम का एक बड़ा भूतल खुल जाएगा।
दाना शूत्ज़
दाना शूत्ज़ के चित्रों में, नकली और असली को अलग-अलग बताना मुश्किल है। "मुझे पता है कि मेरी छवियों का निर्माण किया गया है, लेकिन मुझे विश्वास है कि जब मैं पेंटिंग कर रही हूँ, " वह ब्रुकलिन के एक पुराने औद्योगिक भवन में कलाकारों के सह-ऑप में अपने स्टूडियो में कहती है। 30 वर्षीय शुट्ज़ ने आंकड़े बनाना पसंद किया है और उन्हें चित्रों की एक श्रृंखला में विभिन्न परिदृश्यों में डाल दिया है, जहां वे अपने स्वयं के जीवन को ले रहे हैं। ऐसी ही एक श्रृंखला आंकड़ों की है, जिसे वह "सेल्फ-ईटर्स" कहते हैं, जो कि उन लोगों से छीनी जाती है, जो अपने शरीर के कुछ हिस्सों को खिलाकर जीवित रहते हैं और फिर खुद को फिर से संगठित करते हैं। चित्र, उनकी शानदार कल्पना के साथ और जिसे वह "बहिर्मुखी रंग" कहती हैं - पिंक और रेड्स, इलेक्ट्रिक प्यूरी और जंगल ग्रीन्स - की एक नई अभिव्यक्ति के रूप में प्रशंसा की गई है, और उन्हें सामाजिक विचारधारा के संदर्भ में व्याख्या करना आसान है - से अज्ञात उपभोक्तावाद के प्रति उदासीन मॉडल - या कलाकार के मानस में झलकते हैं। लेकिन शूत्ज असहमत हैं।
"मैं एक अभिव्यक्तिवादी नहीं हूं, " वह विरोध करती है। "ये पेंटिंग मेरे बारे में व्यक्त नहीं कर रही हैं कि मैं कैसा महसूस कर रहा हूं।" स्वयं खाने वालों का कहना है, "एक सचित्र समाधान है; आप उन्हें अलग ले जा सकते हैं और उन्हें फिर से एक साथ रख सकते हैं। ऐसा लगता है कि वे सिर्फ सामग्री बन गए हैं।"
लेकिन शुत्ज़ का कहना है कि उनकी पेंटिंग्स कभी-कभी इंटरनेट पर जो देखती हैं उससे प्रेरित होती हैं या उस समय के बारे में सोच रही होती हैं। "मैं चाहती हूं कि ये चित्र सार्वजनिक कल्पना में कहीं शुरू हों, जहां लोगों को ऐसा लगे कि वे उस कहानी को जान सकते हैं, जैसे प्लास्टिक सर्जरी या उत्पादन-उपभोग या हम अपने लिए वैकल्पिक इतिहास बनाते हैं, " वह कहती हैं। "अधिक से अधिक मुझे लगता है कि सबसे कट्टरपंथी बात यह कर सकती है कि कोई किसी को ऐसा अनुभव दे जो उन्हें लगता है कि किसी तरह से अपरिचित है।"
शुत्ज़ के लिए, अमूर्त और आलंकारिक पेंटिंग के बीच कोई कठिन रेखा नहीं है। "मैं उन्हें कुछ अलग होने के बारे में नहीं सोचता।" एक पुरुष और महिला ड्राइविंग की एक नई पेंटिंग में, कार में आंकड़े लगभग प्लास्टिक लगते हैं, जैसे कि वे एक गर्म हवाई परिदृश्य में पिघल रहे हों। "जिस तरह से मैं उनके बारे में सोच रही हूं, " वह कहती है, "क्या भविष्य में, यदि आप हमें वापस देख रहे थे, तो क्या विशेषताएं थोड़ी विकृत या सामान्यीकृत तरीके से बनी रहेंगी?"
"हो सकता है कि हम आकृति को बदल रहे हैं, " वह जारी है। "पेंटिंग के बारे में पेंटिंग बनाना सिर्फ पागल लगता है। सभी पेंट के बारे में बात करते हैं। मुझे लगता है कि कलाकार अब अर्थ बनाना चाहते हैं और एक प्रभाव डाल रहे हैं। यह 20 वीं शताब्दी से बहुत अलग है।"
जर्मनी के बर्लिन में कंटेम्पररी फाइन आर्ट्स गैलरी में शूत्ज़ के काम की एक प्रदर्शनी नवंबर में खुलती है।
नव राउच
लीपज़िग में, 47 वर्षीय जर्मन कलाकार नियो राउच, अस्पष्ट चित्रों के साथ शीत-युद्ध के चित्रकारों की एक पीढ़ी को प्रभावित कर रहे हैं, जो यथार्थवाद को कल्पना के साथ मिश्रित करते हैं, जो विचित्र के साथ साधारण है। पूर्वी ब्लाक कॉमिक्स और वाणिज्यिक कला की ग्राफिक शैलियों पर आकर्षित, कम्युनिस्ट पूर्वी जर्मनी के सामाजिक यथार्थवाद, अपने स्वयं के सपने की कल्पना और उनके शहरी परिदृश्य के तत्व, राऊच आपको उस तरह के आंकड़े पेंट करते हैं जो आपको प्रचार पोस्टर में मिल सकते हैं, लेकिन उन्हें सेट करता है वे कहते हैं कि दृश्य, "भ्रामक रूप से प्रशंसनीय" हैं - एक बार परिचित और अजीब।
राउच ने अपने चित्रों को एक निजी आइकनोग्राफी के साथ रूपक के रूप में वर्णित किया जो निजी बनी हुई है। उन्होंने हाल ही में न्यूयॉर्क के मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट के लिए एक साक्षात्कारकर्ता से कहा कि एक चित्रकार के रूप में उनके फैसले कारण-यहां तक कि उनके खुद के भी कारण हो सकते हैं। लेकिन एक पेंटिंग में वह शामिल है, इसकी अपनी वास्तविकता है, वह कहते हैं, "क्योंकि व्याख्या की सभी इच्छा के बावजूद, पेंटिंग को एक स्पष्ट संरचना में मौखिक रूप से विभाजित नहीं किए जाने के विशेषाधिकार को बनाए रखना चाहिए।" राउच एक पेंटिंग बनाने की अपनी प्रक्रिया का वर्णन करता है कि संतुलन के लिए एक संघर्ष के रूप में क्या अपरिहार्य है। "मेरे लिए, उन्होंने कहा है, " पेंटिंग का अर्थ है अन्य साधनों के साथ एक सपने की निरंतरता।
राउच के काम की एक प्रदर्शनी वर्तमान में न्यूयॉर्क शहर के मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट में (अक्टूबर 14 के माध्यम से) देखी जा रही है।
बरनबी फर्नेस
साथी कोलंबिया यूनिवर्सिटी आर्ट स्कूल के स्नातक डाना शुट्ज की तरह बरनबी फर्नेस ने ब्रुकलिन में एक परिवर्तित औद्योगिक मचान में अपना स्टूडियो स्थापित किया है। 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के इतिहास के चित्रों से प्रेरित उनके चित्र, भित्तिचित्रों और अमूर्त अभिव्यक्ति से प्राप्त तकनीकों के साथ आलंकारिक तत्वों को जोड़ते हैं।
"एक किशोर के रूप में भीतरी शहर फिलाडेल्फिया में बड़ा हो रहा है, मैं पहले एक भित्तिचित्र लेखक था, " वे कहते हैं। "मैं हर तरह की परेशानी में पड़ गया, गिरफ्तार हो गया, लेकिन कला वर्ग में मेरा हमेशा एक पैर था।" आखिरकार, एक दोस्त के पिता उसे न्यूयॉर्क शहर की कुछ कला दीर्घाओं में ले गए। उन्होंने कहा, "यह वास्तव में एकमात्र तरीका है जिससे मुझे यह भी पता चल जाएगा कि कला की दुनिया कभी भी अस्तित्व में थी।"
34 साल के फर्नेस ने अपने कैनवस को फर्श पर सपाट कर दिया, जैसा कि जैक्सन पोलक ने किया था। लेकिन ऑइल पेंट ला ला पोलक टपकाने के बजाय, वह पानी आधारित पेंट बनाता है जिसे वह फार्म बनाने के लिए एक के ऊपर एक ढेर करता है। गृहयुद्ध के बारे में एक श्रृंखला के लिए, उन्होंने लाल ऐक्रेलिक पेंट के साथ एक सिरिंज भर दी जिसे उन्होंने रक्त का प्रतिनिधित्व करने के लिए अपने कैनवस पर निचोड़ा। वह कहते हैं, "जिस तरह से मैं पेंट का उपयोग कर रहा हूं, उस समय तक ऑयल्स कभी नहीं सूखेंगे।" जमीन पर फ्लैट, पोखरों में। इसमें से एक बहुत वापस भित्तिचित्रों में जाता है। एक चीज जो मुझे भित्तिचित्रों के बारे में पसंद है, वह है यह जानबूझकर। सामग्री का दुरुपयोग। आप एक एरोसोल के बंद स्प्रे-कैप ले सकते हैं, उदाहरण के लिए एक काउंटरटॉप क्लीनर, कह सकते हैं और इसे पेंट स्प्रे पर डाल सकते हैं और नोजल से पूरी तरह से अलग प्रभाव प्राप्त कर सकते हैं .... मैंने कभी भी परेशान नहीं किया है। चित्रफलक या ब्रश यहां तक कि मेरे पास स्प्रे-कैन कैप का एक विशाल संग्रह है, जिस तरह से मैं कल्पना करता हूं कि कुछ तेल चित्रकारों के पास ब्रश हैं। मेरे काम में, हार्डवेयर स्टोर में और कला की दुकान में क्या है की तरह के विलफुल मिश्रण का एक प्रकार है। "
कोलंबिया के कला विद्यालय में, फर्नेस ने खुद को शिक्षकों की एक पुरानी पीढ़ी के खिलाफ विद्रोह पाया, जो कहते हैं, "वैचारिक और उत्तर आधुनिक कलाकार, लगभग कोई चित्रकार नहीं हैं।" उन्होंने चित्रकला को आत्म-अभिव्यक्ति के कार्य के रूप में देखा जो प्रचलन से बाहर था। वह यह भी चाहते थे कि उनके काम की व्याख्या करने के लिए शिक्षाविदों की आवश्यकता के बिना दर्शकों के लिए सुलभ हो। "मैं नहीं चाहता कि ये लोग काले सूट में मेरे काम के बारे में बात करें, " वे कहते हैं। "मैं एक मध्यस्थ नहीं चाहता था।" उन्होंने "आधुनिकतावाद के बीज पर वापस जाने का फैसला किया, " वे कहते हैं, "19 वीं शताब्दी के अंत में फ्रांसीसी इतिहास की पेंटिंग के लिए कोर्टबेट और गेरीकॉल्ट और मैनेट के लिए। मैं शैली को फिर से संगठित करने और इस पर एक अलग तरीके से आने में सक्षम था। इसलिए मैं इस तरह का आधुनिकतावादी थ्रिफ्ट-स्टोर दुकानदार बन गया हूं! "
लंदन के स्टुअर्ट शेव / मॉडर्न आर्ट गैलरी में वसंत के लिए फर्नेस के काम की एक प्रदर्शनी निर्धारित है।
कैथरीन ली
सांता फ़े के कॉलेज में कलाकारों के स्टूडियो में बनी एक पुरानी सेना की बैरक में, 22 साल की कैथरीन ली, सोचती हैं कि उनकी वायर्ड पीढ़ी कला को कैसे देखती होगी। "हम इन दिनों बहुत सारे दृश्य दृश्य संदेश पढ़ते हैं, " वह कहती है, "जैसे विज्ञापनों में - इसे पढ़ें और प्राप्त करें- और मैं चाहता हूं कि एक पेंटिंग व्यावसायिक ब्रेक की तुलना में लंबे समय तक दिलचस्प हो। मुझे लगता है कि कथा का डर है, और यह 'इसे प्राप्त करने' के विचार से आता है। लोग विज्ञापन के लिए इतने अभ्यस्त होते हैं कि वे चाहते हैं कि वे पेंटिंग में जो देखें, वह किसी और के द्वारा पूर्व सोचा जाए। लेकिन विज्ञापन इतना अच्छा काम करता है कि शायद आपको नई रणनीति तलाशनी पड़े। "
दूर के प्रकाश के पैच के साथ एक रहस्यमय, लगभग काला परिदृश्य ली की स्टूडियो दीवार पर पिन किया गया है। इसमें 19 वीं शताब्दी के परिदृश्य का मिजाज और गहराई है, लेकिन ली ने ग्रेफाइट, तेल और स्प्रे पेंट के डिब्बे का उपयोग करके इसे कई तस्वीरों से चित्रित किया है। काले पत्ते जंगल या जंगल का सुझाव देते हैं, और ऐसा कुछ है जो यह सब के बीच में एक लाल छाता की तरह दिखता है। लेकिन लोग नहीं हैं। दृश्य के बारे में कुछ भी जानना मुश्किल है, जो वह चाहती है। "वह छाता जंगल में बताती है कि कुछ चल रहा है, " वह कहती है। "मुझे यह विचार पसंद है कि सब कुछ संभावित सामग्री के रूप में कार्य करता है। मैं वास्तव में यह नहीं सोचता कि जब मैं इसे बना रहा हूं तो इसका क्या मतलब है, क्योंकि मुझे पता है कि यह अपना मतलब बनाने जा रहा है।"
जब वह मानव आकृतियों को पेंट करती है, जैसा कि एक रोमांटिक जोड़े की एक तेल और ग्रेफाइट छवि में, वह शीर्षकहीन प्रेम को बुलाती है, ली चाहती है कि पेंट एक दर्शक को उतना ही दिलचस्पी दे जितना छवि। "यह बिल्कुल आलंकारिक पेंटिंग नहीं है, " वह कहती है, "क्योंकि यह वास्तव में इन लोगों के बारे में नहीं है। जब मैंने पेंटिंग शुरू की, तो यह वास्तव में सिर्फ आकृति के बारे में थी, लेकिन बहुत जल्द यह बहुत सपाट लग रहा था। मैं वास्तव में निराश हो गया और नष्ट हो गया। पेंटिंग के अधिकांश, और फिर यह बहुत बेहतर था। मैंने एक ब्रश लिया और बस हिंसक रूप से सब कुछ धुंधला कर दिया। इस हद तक सब कुछ अमूर्त करने से, पेंटिंग खुली हो जाती है, यह स्पष्ट रूप से समझाने के लिए विरोध के रूप में कई संभावित सामग्री प्राप्त करता है। "
कैथरीन ली की पेंटिंग मई में सांता फ़े के कॉलेज के फाइन आर्ट्स गैलरी में एक थीसिस शो में देखने के लिए होगी।
एलिजाबेथ नील
कोलंबिया विश्वविद्यालय के स्कूल ऑफ आर्ट्स के एक हालिया स्नातक 32 वर्षीय एलिजाबेथ नील एक चित्रकार हैं, जिनका काम समकालीन चित्रकला के बारे में नई उत्तेजना को जोड़ रहा है जो अमूर्तन और प्रतिनिधित्व को मिश्रित करता है। उसके ब्रुकलिन स्टूडियो में, कैनवस को बड़े अमूर्त ब्रशस्ट्रोक के साथ कवर किया गया है, जो डी कूनिंग की याद दिलाता है, फिर भी वे उस तरह के आंकड़े शामिल करते हैं जैसे कि मैटिस ने चित्रकार की कल्पना की होगी। नील का कहना है कि उनकी अपनी संवेदनशीलता विज्ञापन और टेलीविजन से लेकर फिल्मों, वीडियो और इंटरनेट तक, उनके आस-पास की छवियों की बाढ़ से बनी है। वह कहती हैं, '' हम उस दिन से छवियों के उपभोक्ता हैं जब हम पैदा हुए हैं, और वह सोचती है कि अब उस माहौल से निपटना होगा।
20 वीं सदी के लाक्षणिक चित्रकार एलिस नील की पोती, एलिजाबेथ अक्सर पेंटिंग शुरू करने से पहले चित्रों के लिए इंटरनेट पर सर्फिंग करती हैं। वह एक कैनवास पर तस्वीरें पेश नहीं करता है, लेकिन उन छवियों के स्केच बनाता है जिन्हें वह उपयोग करना चाहता है। कभी-कभी, वह कहती है, पेंटिंग बनाने का विशुद्ध रूप से औपचारिक पहलू- उसके ब्रशस्ट्रोक का पैमाना, उदाहरण के लिए- चित्र में उसकी रुचि को बदलना और उसे नई छवियों और विचारों के लिए इंटरनेट पर वापस भेजना। वह कहती हैं, "मुझे लगता है कि पेंटिंग में एक अद्भुत द्वंद्व हो सकता है; यह अपने बारे में हो सकता है और यह दुनिया के बारे में हो सकता है, " वह कहती हैं, "और यह पेंटिंग में एक अच्छा मार्ग है जब ऐसा होता है।"
ब्रिटिश कलेक्टर चार्ल्स साची ने नील के कई चित्रों को खरीदा है और उनकी लंदन की गैलरी में "द ट्राइंफ ऑफ पेंटिंग", प्रदर्शनियों की उनकी आगामी श्रृंखला में उनमें से कुछ शामिल हैं। नील का 2008 के वसंत में न्यूयॉर्क शहर के डिच प्रोजेक्ट्स में एक एकल शो होगा। उनके काम को डिच प्रोजेक्ट्स वेब साइट पर देखा जा सकता है।
लेखक और चित्रकार पॉल ट्रैक्टमैन न्यू मैक्सिको में रहते हैं। मई 2006 के स्मिथसोनियन में दादावादियों के बारे में उनका लेख चला ।
